Estas fotos son en mi jardín. Los arboles son seres que nos miran y sienten.
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Santa Fe. New Mexico. USA. 2005
Estas fotos las tomé con una cámara compacta que compré usada, a pocas cuadras de estas fotografias. Esa cámara era la nikon coolpix 5000 que resultó ser muy comoda de utilizar. Todas estas imagenes son de esa misma tarde.
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miércoles, 28 de abril de 2010
Juan Downey . Chile 1940 – New York 1993
Exposición Retrospectiva Individual.Sala de Arte de la Fundación Telefónica.
30 de marzo al 27 de junio.
Santiago de Chile
Video Arte, Pintura, Dibujo, Grabado, Fotografía e Instalación.
"Rewe" Video-instalación.
“Personalmente me pregunto en donde pertenece el arte. La experiencia estética es comparable a la experiencia mística, y, a veces, al uso de determinadas drogas. También el sexo puede ser bastante estético. Quiero decir como una iluminación.” Juan Downey.
“La capacidad simbólica de la mente humana y eso es lo que me interesa. La capacidad simbólica está precisamente en la trascendenciade la materialidad.” J . Dawney
La Exposición.
La exposición “ El Ojo pensante” lleva el nombre de una serie de videos de arte realizada por Downey entre el 1974 y 1989, si bien esta nueva exposición incluye una retrospectiva de su obra. La curatoría esta a cargo de la viuda del artista Marilys Downey de Julieta Gonzalez, curadora venezolana que representa a la Tate Modern Gallery de Londres. Galería que posee dentro de su catalogo una de las obras en exhibición: “Video Trans americas” de Juan Downey .
La exposición tiene en su conjunto una puesta en escena que va intercalando los cantos alegres de los canarios que ocupan una instalación y los sonidos de los monitores a diversos volumenes. Es una exposición densa como para visitar varios días. Un exposición que invita a hacer obra, llena de metalenguajes que no resisten una sola lectura. Una invitación a ver Las Meninas en directo, a quedarte a ver hasta el final los videos que aún mantienen su vigencia con su estética setentera y con un ritmo que te deja sujeta a la pantalla y porque claro como está en la pantalla del TV te traspasa también su efecto hipnotizador. Imagenes que se van desde el monitor directo al subconsciente y sin procesar, ya que poseen el mismo lenguaje pleno de imagenes inconexas y simbólicas.
En este contexto no es extraño que las imagenes circulares circunscritas aparezcan en los dibujos de “Meditación” y otros, como fijaciones de la mirada que pueden propiciar la hipnosis o la autohipnosis. Si bien en meditación se emplean imagenes para meditar llamadas “mandalas” estas suelen tener un componente más simetrico y una complejidad simbólica con un fin que no busca ni el trance ni el estado hipnótico sino un estado meditativo profundo. La meditación es una forma de conciencia expandida y no la reducción a un estado semiconsciente que es lo que sucede en la hipnosis y en el trance. Osea es totalmente lo contrario. La meditación ocurre en el plano espiritual, la hipnosis en el mental o psíquico.
El Artista.
Juan Downey, nació en Santiago en 1940. Estudió arquitectura en Chile y emigró joven como otros chilenos contemporáneos que desarrollaron su carrera en el extranjero; Roberto Matta y Alfredo Jaar y como ellos se también se desarrolló como artista en Nueva York.
Downey un pionero del video arte con reconocimiento internacional, es un artista conceptual. Apasionado, obsesivo y visionario. Multifacético trabaja en distintos soportes; dibuja, pinta, realiza cine y video arte e instalaciones pero todo conlleva a una única concepción del mundo en donde entronca al ser humano con la máquina, al sistema nervioso con las conecciones eléctricas. Algunas de sus visiones no se cumplen, producto del poder económico imperante, de la corrupción, de las corporaciones. Esta inmediatez de la globalización que produce la tecnología se ve más bien marcada por las desigualdades, tira en dirección opuesta a lo que el plantea: un mundo más justo que vaya en dirección a lo social, a la comunicación integrativa del ser humano.
La propuesta de Downey es de hacer un arte público electrónico que busca acercar la naturaleza al hombre a través de la tecnología: “Un artista interesado en los sistemas – de comunicación, de trasmisión de energía, de intercambio material y simbólico”. Una revolución que va desde social a lo espiritual.
El arte de Downey tiene la mística clara de los años 60, palabras como meditación, iluminación, drogas, ontología, energía, simbolismo, subconsciente aparecen en sus textos. Si bien el las redirige desde una visión antropológica cultural que tiene que ver con las raíces indígenas de América Latina y sus concepciones de mundo como pueblos originarios antes de la llegada de Colón y de la interpretación occidental de lo local. Downey va a grabarlos con su cámara de video para hacerlos participes de este registro y a sí mismo para encontrar sus propias raíces amerindias en contra posición al mundo occidental que lo rodea y que lo hace sentirse desarraigado. Es una búsqueda de su propia identidad latinoamericana como también de registrar una cultura, antes de que lo occidental la convierta en otra cosa que diste de su identidad colectiva ancestral.
En el registro antropológico de los indigenas Downey comienza a grabar con cámaras de video viajando con su familia permaneciendo meses en los asentamientos indigenas. Pueblos cuya organización social que está reflejada por la forma en que ellos se relacionan con su arquitectura, en forma central, ecológica y comunitaria. Pueblos que en los años 1970´s aún viven como sus ancestros, algunos en un estado alterado de conciencia producido por el consumo diario de plantas alucinógenas y que puede proveer una mirada “inocente”, nueva, que no conlleva el desgaste de la visión del viejo mundo.
La obra de Downey tiene una mirada que involucra lo político, lo ecológico, lo antropológico con un énfasis en lo social. Un arte para las masas que contempla un relato inicial interumpido por el tiempo y el espacio y que luego se vuelca a lo antropológico, al documental como una consciente experiencia subjetiva que aporta nuevas lecturas desde el realizador y que a la vez modifica su propia vida. Un trabajo que se devuelve hacia sus propias obsesiones como por ejemplo Las Meninas de Velázquez y la música de Sebastian Bach, la sociedad, la política, el arte. Obsesiones que desaparecen para reaparecer a través de imágenes que van en una travesía geográfica visual por el planeta o por los sonidos intercalados y extraídos de diversas fuentes; un trozo de ópera, una risa, un sonido electrónico, el canto de un ave en ralentti o una voz erudita. Movimientos de cámara, zoomings, reveses de cámara, recortes inusuales en la composición y un video arte que se construye fundamentalmente desde la postproducción; el montaje.
“ El inconsciente de una persona contiene los recuerdos de muchas” Juan Downey.
Downey toma los recursos disponibles, sus filmaciones a veces hibridas con tomas de cine llevadas al video o algunos trozos de documentales de televisión que incorpora como un collage estableciendo relatos paralelos. El video para él parece ser como una fiebre que lo posee, en donde entrecruza su mundo interior con el del colectivo, lo occidental con lo indígena, lo racional con el erotismo, pero en un hacer que va al encuentro en una búsqueda constante que no sabe de guías o caminos trazados, pero que retorna a lo humano. Abordando problematicas universales contingentes que se ha visto aumentadas por el efecto negativo de la globalización y que están presente en el arte actual como en el ser humano, en el uso indiscriminado del entorno produciendo una redistribución de las riquezas hacia las grandes corporaciones extranjeras cuyo poder es mayor que los gobiernos que rigen incluso las naciones más ricas, y que producen no solo polución y agotamiento de los recursos no renovables sino además la perdida irreparable de la identidad cultural local como es el caso de los Yanomami en la Amazonia y de tantas otras a nivel mundial.
En sus primeros trabajos; los dibujos, incorpora una visualidad nueva en esos años, la del ser humano unido a la máquina. Elabora posteriormente esculturas y maquinarias electrónicas, obras que artistas contemporáneos de ese entonces decían que no era arte, esta incorporación de la ciencia al arte era algo nuevo, que marcaría la vanguardia y una propuesta artística en la que comienzan a trabajar en forma colectiva artistas provenientes de distintos países y tendencias. Exposiciones donde expone junto a Nam June Paik, Gordon Matta - Clark y otros y donde va desarrollando una estética social que es la que continuara trabajando el resto de su vida a través del video.
Una búsqueda mística, un estética social que promueve una arquitectura ecológica e invisible donde la mente humana esta conectada a la naturaleza y la comunicación se realiza a través de la telepatía. Una idea que puede ser una profecía, una visión obtenida de una travesía alucinógena o de la ciencia ficción…o todas las anteriores.
Amrit Kaur.
14 de Abril 2010
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martes, 20 de abril de 2010
"Copiar el Eden" de Gerardo Mosquera en la web
El Libro " Copiar el Eden" contiene una antología de artistas chilenos contemporáneos que esta datada desde 1973 hasta el 2006. El editor a cargo de esta seleccion es el crítico de arte y curador cubano Gerardo Mosquera.
Se puede acceder al libro en forma gratuita en la web:
http://www.copiareleden.com/
http://www.arteycritica.org/index.php?option=com_content&task=view&id=412&Itemid=28
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jueves, 1 de abril de 2010
Exposición Fernando Prats
Expositor: Fernando Prats.
Exposición Individual: “Fly”
Galería Moro
Santiago Chile.
Pincelada leve.
por Amrit Kaur.
Cuando entré en la galería Moro, no tenía idea quien era el artista y de que se trataba la obra.
Entré directo a la sala principal en que se encontraba parte de la muestra de Fernando Prats. Contemplé la obra más cercana de las tres que estaban en la sala, observé su composición, su superficie. A simple vista parecía un trabajo con tinta china. Tenía un dejo de arte chino de pincelada leve, grácil y blanca sobre un fondo negro. Me acerqué un poco más observé su factura y pude ver que la superficie estaba rasgada con una espátula tal vez, pero no, el trazado era demasiado irregular.
Al seguir observando noté que tenía un patrón que se repetía y que ese patrón semejaba la ala de un pájaro que se desplazaba y que los detalles más pequeños tenían la ligereza de una pluma.
Las tres obras expuestas allí estaban conformadas por el mismo patrón; una serie de cartulinas de medio pliego unidas por su contorno clavadas a la pared. Hasta allí no lograba ver cual era la intención de artista.
Fue entonces que reparé con mayor detención en otro conjunto de “entintados” que estaba en el interior de una enorme jaula con marco de acero recubierta con malla de alambre zincado que ocupaba toda la pared en el fondo de la sala.
Avancé hacia ella y me detuve justo detrás del letrero que decía no acercarse. Y me quede allí, detrás, obedientemente. Al alzar la vista las ví. Quietas y temblorosas había 6 catas arrimadas sobre un mismo palillo de acero que estaba soldado al marco. Justo debajo de ellas estaban sus alimentos y el agua. Lo primero que hice fue buscar donde, en esta enorme jaula rectangular, estaba la puerta . La descubrí en un costado, al lado del comedero.
Fue allí que comencé a entender que la facturación de la obra provenía de los pájaros y que lo que estaba viendo no era solo una obra, sino una obra en ejecución.
Me dirigí a la sala contigua donde había dos videos, uno que registraba cómo las aves de distintos tamaños volaba y pintaban. Y luego en otro video aparecía la rama de un árbol la rama de un árbol en donde se sujetaban 6 hojas desde una punta. Era el árbol el que realizaba a través del viento un trazado sobre el papel.
Entonces comparé las obras; los trazos del árbol y de las aves y eran totalmente diferentes.
Aun quedaba el misterio de cómo lo podían hacer, así que allí me remití a leer el papel pegado en la pared que explicaba algo sobre el autor y su técnica; se trataba de papel ahumado, el cual convertía en línea o mancha cualquier roce.
En ese instante pensé que era un acto poético que las aves y los árboles dibujaran. Una instalación en que el ser humano no interviniera. Estudiar arte para que otro ejecute la obra y haga lo que quiera.
Pero luego pensé que el que decide quién, cómo , por cuánto tiempo tiene una voluntad que limita la obra a un azar restringido, por lo cuál, no es un acto libre el de las aves. Entonces dejó de parecerme poético y recordé un libro que compré solo por un poema de Patrick Lane:
“El pájaro. (traducción del inglés)
El pájaro que capturaste ha muerto
Te dije que iba a morir
pero no quisiste aprender
de mi decir. Querías
enjaular un pájaro dentro de tus manos
y aprender a volar.
Escucha nuevamente.
no debes manosear los pájaros.
No pueden volar a través de tus dedos.
No eres un nido
y una pluma no es
de sangre y hueso.
Solamente las palabras
pueden volar para tí como los pájaros
en la muralla del sol.
Un pájaro es un poema
que habla del fin de las jaulas.”
Pensé en este poema por su simbolismo. Un ave esta ligada al vuelo y el vuelo está ligado a la libertad.
Podemos darles múltiples lecturas a la obra y a su ejecución. Decir por ejemplo como el azar reemplaza la voluntad del trazado. De cómo el artista crea a través de algún otro y separa en cierto grado la obra de si mismo. De cómo un pintor chileno evoluciona hacia lo conceptual. Mencionar su abultado curriculum de exposiciones y las prestigiosas universidades en las cuales se formó.
Indudablemente Prats es un artista con trayectoria internacional. Se sale de la norma de lo que podemos encontrar en una galería chilena de artistas nacionales.
Un trabajo que trae lo inesperado. Una propuesta muy pensada, que traspasa al observador atento un fundamento claro que incita a la reflexión y que también provoca una reacción valórica ya que la ética del artista puede verse cuestionada por la inclusión de seres vivos dentro de la obra. Un puesta en escena casi científica, como la del veterinario que disecta un animal vivo o la del entomólogo que luego de envenenar la mariposa la alfileriza.
La hechura de la obra es de factura limpia, acabada. La jaula es un “gallinero caro” de acero soldado hecha para ser reutilizada y para que semeje jaula, después de todo los canarios y las catas pertenecen a los salones. Aunque no estén aquí para cantar.
Sin embargo, después de visitar la exposición de Fernando Prats hay una imagen que predomina en mi más que la otras, que me produce dolor; la visión de las seis aves bajo la dura luz de los focos en el rinconcito de la jaula, acurrucadas, asustadas y temblorosas.
Imagen que me hace formular una sola pregunta: ¿ Esta imagen es parte de la intencionalidad de Prats o sencillamente se escapa de la razón ?
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Exposición Individual: “Fly”
Galería Moro
Santiago Chile.
Pincelada leve.
por Amrit Kaur.
Cuando entré en la galería Moro, no tenía idea quien era el artista y de que se trataba la obra.
Entré directo a la sala principal en que se encontraba parte de la muestra de Fernando Prats. Contemplé la obra más cercana de las tres que estaban en la sala, observé su composición, su superficie. A simple vista parecía un trabajo con tinta china. Tenía un dejo de arte chino de pincelada leve, grácil y blanca sobre un fondo negro. Me acerqué un poco más observé su factura y pude ver que la superficie estaba rasgada con una espátula tal vez, pero no, el trazado era demasiado irregular.
Al seguir observando noté que tenía un patrón que se repetía y que ese patrón semejaba la ala de un pájaro que se desplazaba y que los detalles más pequeños tenían la ligereza de una pluma.
Las tres obras expuestas allí estaban conformadas por el mismo patrón; una serie de cartulinas de medio pliego unidas por su contorno clavadas a la pared. Hasta allí no lograba ver cual era la intención de artista.
Fue entonces que reparé con mayor detención en otro conjunto de “entintados” que estaba en el interior de una enorme jaula con marco de acero recubierta con malla de alambre zincado que ocupaba toda la pared en el fondo de la sala.
Avancé hacia ella y me detuve justo detrás del letrero que decía no acercarse. Y me quede allí, detrás, obedientemente. Al alzar la vista las ví. Quietas y temblorosas había 6 catas arrimadas sobre un mismo palillo de acero que estaba soldado al marco. Justo debajo de ellas estaban sus alimentos y el agua. Lo primero que hice fue buscar donde, en esta enorme jaula rectangular, estaba la puerta . La descubrí en un costado, al lado del comedero.
Fue allí que comencé a entender que la facturación de la obra provenía de los pájaros y que lo que estaba viendo no era solo una obra, sino una obra en ejecución.
Me dirigí a la sala contigua donde había dos videos, uno que registraba cómo las aves de distintos tamaños volaba y pintaban. Y luego en otro video aparecía la rama de un árbol la rama de un árbol en donde se sujetaban 6 hojas desde una punta. Era el árbol el que realizaba a través del viento un trazado sobre el papel.
Entonces comparé las obras; los trazos del árbol y de las aves y eran totalmente diferentes.
Aun quedaba el misterio de cómo lo podían hacer, así que allí me remití a leer el papel pegado en la pared que explicaba algo sobre el autor y su técnica; se trataba de papel ahumado, el cual convertía en línea o mancha cualquier roce.
En ese instante pensé que era un acto poético que las aves y los árboles dibujaran. Una instalación en que el ser humano no interviniera. Estudiar arte para que otro ejecute la obra y haga lo que quiera.
Pero luego pensé que el que decide quién, cómo , por cuánto tiempo tiene una voluntad que limita la obra a un azar restringido, por lo cuál, no es un acto libre el de las aves. Entonces dejó de parecerme poético y recordé un libro que compré solo por un poema de Patrick Lane:
“El pájaro. (traducción del inglés)
El pájaro que capturaste ha muerto
Te dije que iba a morir
pero no quisiste aprender
de mi decir. Querías
enjaular un pájaro dentro de tus manos
y aprender a volar.
Escucha nuevamente.
no debes manosear los pájaros.
No pueden volar a través de tus dedos.
No eres un nido
y una pluma no es
de sangre y hueso.
Solamente las palabras
pueden volar para tí como los pájaros
en la muralla del sol.
Un pájaro es un poema
que habla del fin de las jaulas.”
Pensé en este poema por su simbolismo. Un ave esta ligada al vuelo y el vuelo está ligado a la libertad.
Podemos darles múltiples lecturas a la obra y a su ejecución. Decir por ejemplo como el azar reemplaza la voluntad del trazado. De cómo el artista crea a través de algún otro y separa en cierto grado la obra de si mismo. De cómo un pintor chileno evoluciona hacia lo conceptual. Mencionar su abultado curriculum de exposiciones y las prestigiosas universidades en las cuales se formó.
Indudablemente Prats es un artista con trayectoria internacional. Se sale de la norma de lo que podemos encontrar en una galería chilena de artistas nacionales.
Un trabajo que trae lo inesperado. Una propuesta muy pensada, que traspasa al observador atento un fundamento claro que incita a la reflexión y que también provoca una reacción valórica ya que la ética del artista puede verse cuestionada por la inclusión de seres vivos dentro de la obra. Un puesta en escena casi científica, como la del veterinario que disecta un animal vivo o la del entomólogo que luego de envenenar la mariposa la alfileriza.
La hechura de la obra es de factura limpia, acabada. La jaula es un “gallinero caro” de acero soldado hecha para ser reutilizada y para que semeje jaula, después de todo los canarios y las catas pertenecen a los salones. Aunque no estén aquí para cantar.
Sin embargo, después de visitar la exposición de Fernando Prats hay una imagen que predomina en mi más que la otras, que me produce dolor; la visión de las seis aves bajo la dura luz de los focos en el rinconcito de la jaula, acurrucadas, asustadas y temblorosas.
Imagen que me hace formular una sola pregunta: ¿ Esta imagen es parte de la intencionalidad de Prats o sencillamente se escapa de la razón ?
Mural.
Detalle.
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Exposición de Norton Maza
Una cruda mirada al hombre contemporáneo desde el arte.
por Amrit Kaur.
Expositor: Norton Maza
2 Exposiciones simultaneas en Santiago de Chile.
2 Temáticas
· Sala Gabriela Mistral
Exposición “Luces de Caos”
2 Esculturas. Iconografías religiosas ( Jesús y María)
1 Altar. Instalación construida de muro a muro con desechos, PVC, cartón, madera, juguetes y artefactos de metal oxidados.
· Galería Patricia Ready.
Exposición “La Máquina”.
4 Fotografías Lambda
1 Carrusel de vehículos de guerra construido a escala 1:1 con desechos, PVC, cartón y madera, sobre base de metal.
1 Caseta de vigilancia a escala 1:1
Fue una “coincidencia” que ambas exposiciones de Norton Maza estuvieran simultáneamente en la misma ciudad sin embargo son totalmente complementarias. Ya que están representados, en este conjunto de trabajos, los poderes que rigen el mundo globalizado en el cual vivimos.
La temática de Norton es incuestionablemente de denuncia política, económica, religiosa y social. Cuestiona todos esos ideales con los que convivimos diariamente de invisible y de aceptable corruptibilidad.
Hay que señalar que Norton pese a su dura temática fascina, hay una fuerza siempre presente en la obra expuesta pero a la vez una factura casi tierna de remembranza de los sueños de vida infantiles en donde aún creemos que el ser humano tiene una bondad intrínseca como los superhéroes.
Pero ante el espanto de la guerra, la muerte de inocentes, el hambre y el dolor ajeno cuesta seguir creyéndolo.
Entonces nos encontramos con un cristo que no está crucificado ni da la otra mejilla y nos metralla con misiles y que parece más un mercenario despiadado que misericordioso, un Cristo que ha sido construido por nosotros mismos. Una imagen que en el fondo no nos trastorna porque en la cruda realidad pareciera ser cierta, no solo para el que lo ha vivido en carne propia sino también para el espectador que da vuelta la cara, él que mecánicamente se persigna los domingos ante la idea de que lo divino esta dentro de un templo y no en el día a día en los caminos que decidimos tomar.
Cuando todos los poderes están corruptos los ciudadanos no solo pierden su poco poder sino también la vida. Ya sea por una bala perdida, un estomago vacío o una guerra sin sentido
Maza nos trae un discurso que es políticamente incorrecto que metralla con su visualidad, que te hace darte cuenta que las palabras no pronunciadas se pueden gritar con las imágenes.
La conexión entre la iglesia y la continuidad de la guerra y la desvalorización de la vida humana esta siempre presente. El Papa transformer, mitad humano mitad maquina, los gigantes transformes robots que se desplazan sobre las impotentes masas, masas que se visualizan como un hormiguero a los pies del altar en donde mira poderoso, intocable y lejano.
Norton hace un arte de denuncia y su materia prima es la relación del sistema hacia el hombre.
Podemos reconocer la reutilización de los componentes de obra que vuelven a reaparecer, como por ejemplo en la sala Gabriela Mistral los aviones blancos que sobrevuelan sobre el altar en ironía a las palomas reaparece en la galería Patricia Ready en un cuadro blanco donde la única figura oscura es un submarino que navega-vuela lanzando torpedos al cielo.
Norton mezcla e integra muy bien la maquetación con una escenografía Ad oc, hay un manejo de la composición muy dinámica, crea recorridos visuales, es impecable en su factura. El trabajo de Norton derrama mucha fuerza, además hay una falización recurrente que aparece en el submarino, en los misiles en la tiara del papa, etc.
La propuesta de Norton plantea una critica universal, arriesgada, cruda, figurativa-simbólica, contemporánea en relación a su temática. La obra aún siendo un producción escénica colectiva refleja una sola mirada estética.
Neo Barroco figurativo como sea que definamos el estilo de Norton, es entretenido, las verdades horribles son lúdicas e irónicas y para quedarse pegado un rato jugando con la asquerosa rata del ara o mirar por el binocular sin aumento a reencuadrar los detalles. Podemos contemplar los rostros de estupefacción de los monitos de plasticina de la Bolsa, o los detalles pictóricos que recrean escenas del hambre y el hacinamiento.
Nos plantea un mundo habitado por victimas y victimarios sin redención alguna, sin termino medio.
La facturación a la vista funciona como recurso estético en “La Máquina”, en el interior de la caseta de vigilancia donde aparecen los juguetes que sirvieron de modelo para los vehículos del carrusel.
Permanece en su trabajo la paradoja de los juegos infantiles transformados en una realidad sin control. El ser humano sin posibilidad de transformar una vida que no le pertenece, como el alma vendida al diablo y donde lo humano solo es – si es que puede ser algo - un pequeño engranaje del capitalismo, la gran maquina que ha sido creada por y para el hombre para su propia autodestrucción .
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por Amrit Kaur.
Expositor: Norton Maza
2 Exposiciones simultaneas en Santiago de Chile.
2 Temáticas
· Sala Gabriela Mistral
Exposición “Luces de Caos”
2 Esculturas. Iconografías religiosas ( Jesús y María)
1 Altar. Instalación construida de muro a muro con desechos, PVC, cartón, madera, juguetes y artefactos de metal oxidados.
· Galería Patricia Ready.
Exposición “La Máquina”.
4 Fotografías Lambda
1 Carrusel de vehículos de guerra construido a escala 1:1 con desechos, PVC, cartón y madera, sobre base de metal.
1 Caseta de vigilancia a escala 1:1
Fue una “coincidencia” que ambas exposiciones de Norton Maza estuvieran simultáneamente en la misma ciudad sin embargo son totalmente complementarias. Ya que están representados, en este conjunto de trabajos, los poderes que rigen el mundo globalizado en el cual vivimos.
La temática de Norton es incuestionablemente de denuncia política, económica, religiosa y social. Cuestiona todos esos ideales con los que convivimos diariamente de invisible y de aceptable corruptibilidad.
Hay que señalar que Norton pese a su dura temática fascina, hay una fuerza siempre presente en la obra expuesta pero a la vez una factura casi tierna de remembranza de los sueños de vida infantiles en donde aún creemos que el ser humano tiene una bondad intrínseca como los superhéroes.
Pero ante el espanto de la guerra, la muerte de inocentes, el hambre y el dolor ajeno cuesta seguir creyéndolo.
Entonces nos encontramos con un cristo que no está crucificado ni da la otra mejilla y nos metralla con misiles y que parece más un mercenario despiadado que misericordioso, un Cristo que ha sido construido por nosotros mismos. Una imagen que en el fondo no nos trastorna porque en la cruda realidad pareciera ser cierta, no solo para el que lo ha vivido en carne propia sino también para el espectador que da vuelta la cara, él que mecánicamente se persigna los domingos ante la idea de que lo divino esta dentro de un templo y no en el día a día en los caminos que decidimos tomar.
Cuando todos los poderes están corruptos los ciudadanos no solo pierden su poco poder sino también la vida. Ya sea por una bala perdida, un estomago vacío o una guerra sin sentido
Maza nos trae un discurso que es políticamente incorrecto que metralla con su visualidad, que te hace darte cuenta que las palabras no pronunciadas se pueden gritar con las imágenes.
La conexión entre la iglesia y la continuidad de la guerra y la desvalorización de la vida humana esta siempre presente. El Papa transformer, mitad humano mitad maquina, los gigantes transformes robots que se desplazan sobre las impotentes masas, masas que se visualizan como un hormiguero a los pies del altar en donde mira poderoso, intocable y lejano.
Norton hace un arte de denuncia y su materia prima es la relación del sistema hacia el hombre.
Podemos reconocer la reutilización de los componentes de obra que vuelven a reaparecer, como por ejemplo en la sala Gabriela Mistral los aviones blancos que sobrevuelan sobre el altar en ironía a las palomas reaparece en la galería Patricia Ready en un cuadro blanco donde la única figura oscura es un submarino que navega-vuela lanzando torpedos al cielo.
Norton mezcla e integra muy bien la maquetación con una escenografía Ad oc, hay un manejo de la composición muy dinámica, crea recorridos visuales, es impecable en su factura. El trabajo de Norton derrama mucha fuerza, además hay una falización recurrente que aparece en el submarino, en los misiles en la tiara del papa, etc.
La propuesta de Norton plantea una critica universal, arriesgada, cruda, figurativa-simbólica, contemporánea en relación a su temática. La obra aún siendo un producción escénica colectiva refleja una sola mirada estética.
Neo Barroco figurativo como sea que definamos el estilo de Norton, es entretenido, las verdades horribles son lúdicas e irónicas y para quedarse pegado un rato jugando con la asquerosa rata del ara o mirar por el binocular sin aumento a reencuadrar los detalles. Podemos contemplar los rostros de estupefacción de los monitos de plasticina de la Bolsa, o los detalles pictóricos que recrean escenas del hambre y el hacinamiento.
Nos plantea un mundo habitado por victimas y victimarios sin redención alguna, sin termino medio.
La facturación a la vista funciona como recurso estético en “La Máquina”, en el interior de la caseta de vigilancia donde aparecen los juguetes que sirvieron de modelo para los vehículos del carrusel.
Permanece en su trabajo la paradoja de los juegos infantiles transformados en una realidad sin control. El ser humano sin posibilidad de transformar una vida que no le pertenece, como el alma vendida al diablo y donde lo humano solo es – si es que puede ser algo - un pequeño engranaje del capitalismo, la gran maquina que ha sido creada por y para el hombre para su propia autodestrucción .
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domingo, 28 de marzo de 2010
Julia Margaret Cameron 1815-1878
Esta pionera de la fotografía, nació en Calcuta en 1815, Su técnica se basa en la iluminación natural y el trabajo sin retoques. Al cumplir 48 años, una de sus hermanas le regala una cámara y a partir de ese momento se dedica con obsesión a la fotografía. Educada en Francia e Inglaterra, hija de Sir James Pattle, casa con Charles Hay Cameron y viven en Sri Lanka hasta 1848 cuando viajan a Inglaterra y se establecen definitivamente en la Isla de Wight, Se dedica especialmente al retrato: la familia, los amigos, los sirvientes, son sus modelos preferidos, con especial pasión por los personajes de su época con los que se relaciona activamente: escritores, científicos, políticos. En 1875 vuelve a Sri Lanka donde realiza algunas fotografías de paisajes del lugar, muriendo en 1878. Sus fotografías pasaron mucho tiempo en el olvido hasta que fueron recuperadas por Alfred Stieglitz. Se nota en todas ellas una profunda influencia de la pintura prerafaelista, especialmente en sus obras religiosas, poétícas o mitológicas.
Esta pionera de la fotografía, nació en Calcuta en 1815, Su técnica se basa en la iluminación natural y el trabajo sin retoques. Al cumplir 48 años, una de sus hermanas le regala una cámara y a partir de ese momento se dedica con obsesión a la fotografía. Educada en Francia e Inglaterra, hija de Sir James Pattle, casa con Charles Hay Cameron y viven en Sri Lanka hasta 1848 cuando viajan a Inglaterra y se establecen definitivamente en la Isla de Wight, Se dedica especialmente al retrato: la familia, los amigos, los sirvientes, son sus modelos preferidos, con especial pasión por los personajes de su época con los que se relaciona activamente: escritores, científicos, políticos. En 1875 vuelve a Sri Lanka donde realiza algunas fotografías de paisajes del lugar, muriendo en 1878.
Sus fotografías pasaron mucho tiempo en el olvido hasta que fueron recuperadas por Alfred Stieglitz. Se nota en todas ellas una profunda influencia de la pintura prerafaelista, especialmente en sus obras religiosas, poétícas o mitológicas.
http://www.youtube.com/watch?v=VqnVLwRagbs
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Esta pionera de la fotografía, nació en Calcuta en 1815, Su técnica se basa en la iluminación natural y el trabajo sin retoques. Al cumplir 48 años, una de sus hermanas le regala una cámara y a partir de ese momento se dedica con obsesión a la fotografía. Educada en Francia e Inglaterra, hija de Sir James Pattle, casa con Charles Hay Cameron y viven en Sri Lanka hasta 1848 cuando viajan a Inglaterra y se establecen definitivamente en la Isla de Wight, Se dedica especialmente al retrato: la familia, los amigos, los sirvientes, son sus modelos preferidos, con especial pasión por los personajes de su época con los que se relaciona activamente: escritores, científicos, políticos. En 1875 vuelve a Sri Lanka donde realiza algunas fotografías de paisajes del lugar, muriendo en 1878.
Sus fotografías pasaron mucho tiempo en el olvido hasta que fueron recuperadas por Alfred Stieglitz. Se nota en todas ellas una profunda influencia de la pintura prerafaelista, especialmente en sus obras religiosas, poétícas o mitológicas.
http://www.youtube.com/watch?v=VqnVLwRagbs
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Imogen Cunningham 1883 - 1976
A Imogen Cunningham se le considera una pionera en la fotografía del siglo XX, autora de extraordinarias imágenes que por su calidad han contribuido a la afirmación de la fotografía como forma de arte. Tras leer en 1907 su tesis "The Scientific Development of Photography", decide ejercer como fotógrafa y comienza a trabajar en el estudio de Edward S. Curtis. En 1913, tras ejercer en Alemania para profundizar en su estudio sobre la fotografía, publica "Photography as a Profession for Women" en el periódico universitario The Arrow.En 1917 se traslada a San Francisco, donde, tras trabajar como retratista en estudio, comienza a vislumbrarse en sus obras fotográficas sus temas más recurrentes: naturalezas muertas y retrato, como busqueda de la figura humana y del desnudo. En 1967 es elegida miembro de la American Academy of Arts and Sciences.
http://www.photoliaison.com/Images/Imogen_Cunningham_Album/index.htm
http://cadadiaunfotografo.blogspot.com/2010/02/imogen-cunningham.html
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Friedrich Hölderlin 1770 - 1843
" ... A ser uno con todo lo viviente, volver en un feliz olvido de sí mismo, al todo de la naturaleza. A menudo alcanzo esa cumbre, pero un momento de reflexión basta para despeñarme de ella. Medito, y me encuentro como estaba antes, solo, con todos los dolores propios de la condición mortal, y el asilo de mi corazón, el mundo enteramente uno, desaparece; la naturaleza se cruza de brazos, y yo me encuentro ante ella como ante un extraño, y no la comprendo. Ojalá no hubiera ido nunca a vuestras escuelas, pues en ellas es donde me volví tan razonable, donde aprendí a diferenciarme de manera fundamental de lo que me rodea; ahora estoy aislado entre la hermosura del mundo, he sido así expulsado del jardín de la naturaleza, donde crecía y florecía, y me agosto al sol del mediodía. Oh, sí! El hombre es un dios cuando sueña y un mendigo cuando reflexiona. " Friedrich Hölderlin
Uno de los más grandes poetas líricos alemanes, cuya obra tiende un puente entre las escuelas clásica y romántica. Su poesía, olvidada muchos años, fue redescubierta al principio del siglo XX. Nació en Lauffen-am-Neckar. Estudió teología en la Universidad de Tubinga pero decidió no seguir la carrera eclesiástica. El poeta alemán Friedrich von Schiller publicó algunos de los primeros versos de Hölderlin en sus periódicos y obtuvo también para él diversos puestos de tutor.
Luego de un incidente amoroso con la mujer de su mecenas, Susette Gontard, la figura de Diótima en sus poemas y en su novela Hyperion (1797-1799), pasó dos años en Hamburgo donde empezó a desarrollar su característico estilo poético.
Después de otro periodo como tutor, Hölderlin sufrió en 1802 el primero de los episodios de la enfermedad mental que iba a afligirle hasta su muerte. En 1807, tras algún tiempo en una institución de Tubinga, fue puesto a cargo de un maestro carpintero local llamado Zimmer. Hölderlin pasó el resto de su vida con Zimmer.
La poesía expresa la aspiración a un mundo ideal, que es identificado con la Grecia clásica. Los poetas simbolistas admiraron la profundidad espiritual y el carácter intuitivo de sus versos. No usaba rima, en su lugar escribía con una forma poética flexible conocida más tarde como verso libre. Es famoso sobre todo por sus poesías líricas, entre las que se encuentran “La esperanza” y “El aeda ciego”, y por alguna obras más amplias como la novela Hyperion (2 volúmenes 1797-1799), la historia de un luchador por la libertad griega, y la tragedia inacabada Empédocles (1798-1799). Su obra influyó poderosamente en la generación del 27 sobre todo en Luis Cernuda.
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Uno de los más grandes poetas líricos alemanes, cuya obra tiende un puente entre las escuelas clásica y romántica. Su poesía, olvidada muchos años, fue redescubierta al principio del siglo XX. Nació en Lauffen-am-Neckar. Estudió teología en la Universidad de Tubinga pero decidió no seguir la carrera eclesiástica. El poeta alemán Friedrich von Schiller publicó algunos de los primeros versos de Hölderlin en sus periódicos y obtuvo también para él diversos puestos de tutor.
Luego de un incidente amoroso con la mujer de su mecenas, Susette Gontard, la figura de Diótima en sus poemas y en su novela Hyperion (1797-1799), pasó dos años en Hamburgo donde empezó a desarrollar su característico estilo poético.
Después de otro periodo como tutor, Hölderlin sufrió en 1802 el primero de los episodios de la enfermedad mental que iba a afligirle hasta su muerte. En 1807, tras algún tiempo en una institución de Tubinga, fue puesto a cargo de un maestro carpintero local llamado Zimmer. Hölderlin pasó el resto de su vida con Zimmer.
La poesía expresa la aspiración a un mundo ideal, que es identificado con la Grecia clásica. Los poetas simbolistas admiraron la profundidad espiritual y el carácter intuitivo de sus versos. No usaba rima, en su lugar escribía con una forma poética flexible conocida más tarde como verso libre. Es famoso sobre todo por sus poesías líricas, entre las que se encuentran “La esperanza” y “El aeda ciego”, y por alguna obras más amplias como la novela Hyperion (2 volúmenes 1797-1799), la historia de un luchador por la libertad griega, y la tragedia inacabada Empédocles (1798-1799). Su obra influyó poderosamente en la generación del 27 sobre todo en Luis Cernuda.
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Henrik Ibsen 1828 - 1906
"Lo trascendental es la revolución del espíritu humano."
"Nuestra sociedad es masculina, y hasta que no entre en ella la mujer no será humana."
"Un verdadero espíritu de rebeldía es aquel que busca la felicidad en esta vida."
"Si dudas de ti mismo, estás vencido de antemano."
"La mayoría nunca tiene razón."
Ibsen es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico. En su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada por los valores victorianos, al cuestionar el modelo de familia y de sociedad dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no contemporáneos más representado en la actualidad.
Peer Gynt Kinotrailer - MyVideo
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"Nuestra sociedad es masculina, y hasta que no entre en ella la mujer no será humana."
"Un verdadero espíritu de rebeldía es aquel que busca la felicidad en esta vida."
"Si dudas de ti mismo, estás vencido de antemano."
"La mayoría nunca tiene razón."
Ibsen es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la dramaturgia moderna, padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico. En su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada por los valores victorianos, al cuestionar el modelo de familia y de sociedad dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no contemporáneos más representado en la actualidad.
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Ricardo Cinalli. 1948
Muralista Argentino
"Mis obras más relevantes surgen del inconsciente"
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"Mis obras más relevantes surgen del inconsciente"
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William Blake 1757 - 1827
"Si el loco persistiera en su locura, se volvería sabio."
"Todo lo que vive, no vive solo, ni para sí mismo."
Fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian , «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido.
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Henry David Thoreau 1817 - 1862
"Lo que un hombre piensa de sí mismo, esto es lo que determina, o más bien indica, su destino."
"El amor no sólo debe ser una llama, sino una luz."
"Casi todas las personas viven la vida en una silenciosa desesperación."
Henry David Thoreau nació en Concord, Massachusetts, el 12 de Julio de 1817 y falleció en la misma ciudad el 6 de mayo de 1862. Se graduó en la Universidad de Harvard en 1837. Abandonó su oficio de maestro y sobrevivió con trabajos humildes hasta que decidió retirarse a una cabaña edificada por él mismo a orillas del lago Walden (1845-1847). Allí llevó una vida en soledad, sencilla, sosegada y en comunión con la naturaleza.
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"El amor no sólo debe ser una llama, sino una luz."
"Casi todas las personas viven la vida en una silenciosa desesperación."
Henry David Thoreau nació en Concord, Massachusetts, el 12 de Julio de 1817 y falleció en la misma ciudad el 6 de mayo de 1862. Se graduó en la Universidad de Harvard en 1837. Abandonó su oficio de maestro y sobrevivió con trabajos humildes hasta que decidió retirarse a una cabaña edificada por él mismo a orillas del lago Walden (1845-1847). Allí llevó una vida en soledad, sencilla, sosegada y en comunión con la naturaleza.
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martes, 23 de marzo de 2010
Jeanloup Sieff 1933 - 2000
Jeanloup Sieff fotógrafo francés, su obra ha sido reconocida por sus retratos a personalidades del mundo del espectáculo y políticos, pero también por sus reportajes y fotografías de paisajes y desnudos.
Nació en París el 30 de noviembre de 1933 de padres de origen polaco. Sus estudios después del bachillerato fueron breves: estudió Letras durante dos semanas, periodismo durante diez días, fotografía en la Escuela Vaugirard en Francia durante un mes y después en Vevey Suiza durante siete meses.
La característica más sobresaliente de su trabajo es el uso del blanco y negro, tomas fotográficas principalmente con gran angular y sus dramáticos contrastes en laboratorio.
Sieff destaca el sentido que tiene la fotografía: “la añoranza del tiempo que pasa y la exigencia de arrancar al olvido los instantes fugaces de la vida” (...) La fotografía representa “la materialización de determinadas emociones, captadas en algunos momentos particulares”. (p. 4)
Concepción subjetiva de la fotografía: “captar lo efímero, transformándolo en una realidad duradera”. La “acción de fotografiar corresponde a la exigencia de crear lo inefable”. “La fotografía es verdaderamente cautivadora” y suscita “emociones exquisitamente personales”.
http://www.jeanloupsieff.com/
http://www.analisisfotografia.uji.es/root2/anal_fr.php
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Nació en París el 30 de noviembre de 1933 de padres de origen polaco. Sus estudios después del bachillerato fueron breves: estudió Letras durante dos semanas, periodismo durante diez días, fotografía en la Escuela Vaugirard en Francia durante un mes y después en Vevey Suiza durante siete meses.
La característica más sobresaliente de su trabajo es el uso del blanco y negro, tomas fotográficas principalmente con gran angular y sus dramáticos contrastes en laboratorio.
Sieff destaca el sentido que tiene la fotografía: “la añoranza del tiempo que pasa y la exigencia de arrancar al olvido los instantes fugaces de la vida” (...) La fotografía representa “la materialización de determinadas emociones, captadas en algunos momentos particulares”. (p. 4)
Concepción subjetiva de la fotografía: “captar lo efímero, transformándolo en una realidad duradera”. La “acción de fotografiar corresponde a la exigencia de crear lo inefable”. “La fotografía es verdaderamente cautivadora” y suscita “emociones exquisitamente personales”.
http://www.jeanloupsieff.com/
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lunes, 22 de marzo de 2010
Rineke Dijkstra 1959
"No hago fotos de gente que se cree guapa. No pueden sorprenderme"
Fotógrafa holandesa nacida en Sittard formada en la Rietveld Academie de Amsterdam desde 1981 hasta 1986) forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. En un breve periodo de tiempo, sus obras se han empezado a subastar a precios desorbitados, y su reputación en el ámbito internacional goza de alta estima a pesar de no acudir a ferias de arte, ni tener blog ni website propia. Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII y a los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, pero desarrollando a la vez un estilo muy personal de trabajo, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.
Rineke Dijstra se dedico desde los noventa a fotografiar a individuos que sufren una transformación en su identidad, adolescentes en proceso de cambio en situaciones neutras, en momentos de tránsito, de movimiento y de adaptación a situaciones desconocidas.
Adolescentes refugiados, soldados, madres con sus bebes recién nacidos o simplemente expuestos a situaciones frágiles
http://www.rinekedijkstra.net/
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Fotógrafa holandesa nacida en Sittard formada en la Rietveld Academie de Amsterdam desde 1981 hasta 1986) forma parte ya del selecto grupo de los creadores del siglo XXI cuyas obras son consideradas un icono del arte de nuestro tiempo. En un breve periodo de tiempo, sus obras se han empezado a subastar a precios desorbitados, y su reputación en el ámbito internacional goza de alta estima a pesar de no acudir a ferias de arte, ni tener blog ni website propia. Tomando referencias de los maestros del retrato holandés y flamenco de los siglos XVII y XVIII y a los fotógrafos Diane Arbus y August Sander, pero desarrollando a la vez un estilo muy personal de trabajo, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.
Rineke Dijstra se dedico desde los noventa a fotografiar a individuos que sufren una transformación en su identidad, adolescentes en proceso de cambio en situaciones neutras, en momentos de tránsito, de movimiento y de adaptación a situaciones desconocidas.
Adolescentes refugiados, soldados, madres con sus bebes recién nacidos o simplemente expuestos a situaciones frágiles
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Jean Arp 1886 - 1966
Escultor, pintor y poeta francés nacido en Estrasburgo.
http://amediavoz.com/arp.htm
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Fotografo Minutero
http://www.lanacion.cl/prontus_noticias_v2/site/artic/20090122/pags/20090122183537.html
http://www.nuestro.cl/notas/noticias/expo_foto_cajon.htm
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Paramahansa Yogananda 1893 - 1952
Nació en la última década del siglo XIX, el 5 de enero de 1893, en la ciudad de Gorakhpur a los pies de los Himalayas, en el seno de una familia acomodada perteneciente a la casta de los kshatriyas, guerreros y gobernantes, la segunda en el sistema tradicional de castas de la India. Le dieron el nombre de Mukunda Lal Gosh y fue el cuarto hijo de una familia de ocho hermanos, cuatro mujeres y cuatro hombres.
Sus padres, Bhagabati Charan Gosh y su esposa Gurru (Gyana Prabhal) Gosh, eran fervientes devotos y discípulos del gran santo hindú Lahiri Mahasaya, y criaron a su numerosa prole con gran amor y enseñanzas espirituales. En muchas ocasiones, el niño experimentó éxtasis místicos. Veía al maestro salir del marco de la fotografía y adquirir un cuerpo luminoso que se sentaba a su lado.
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Sus padres, Bhagabati Charan Gosh y su esposa Gurru (Gyana Prabhal) Gosh, eran fervientes devotos y discípulos del gran santo hindú Lahiri Mahasaya, y criaron a su numerosa prole con gran amor y enseñanzas espirituales. En muchas ocasiones, el niño experimentó éxtasis místicos. Veía al maestro salir del marco de la fotografía y adquirir un cuerpo luminoso que se sentaba a su lado.
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Yogi Bhajan 1929 - 2004
Yogi Bhajan nació el 26 de agosto de 1929 en una aldea cercana al Punjab lo que es ahora Pakistán, bajo el nombre de Harbhajan Singh Puri. Fue el primogénito de una familia que había estado rezando y orando mucho por más de 25 años para poder tener un hijo.
El maestro mas influyente en sus momentos de infancia fue su abuelo Sant Bhai Fateh Singh Ji quien siempre le contaba historias y lo guiaba para que viva en la verdad.
Yogi Bhajan dominó el Kundalini Yoga a los 16 años y medio bajo la dirección de Sant Harzaran Singh, maestro de Kundalini Yoga y además Mahan Tántrico. De el aprendió toda la sabiduría tántrica que le serviría en años futuros para luego convertirse en el Mahan Tántrico o único maestro Tantra Yoga Blanco.
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El maestro mas influyente en sus momentos de infancia fue su abuelo Sant Bhai Fateh Singh Ji quien siempre le contaba historias y lo guiaba para que viva en la verdad.
Yogi Bhajan dominó el Kundalini Yoga a los 16 años y medio bajo la dirección de Sant Harzaran Singh, maestro de Kundalini Yoga y además Mahan Tántrico. De el aprendió toda la sabiduría tántrica que le serviría en años futuros para luego convertirse en el Mahan Tántrico o único maestro Tantra Yoga Blanco.
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